The Lighthouse, de Robert Eggers

Qui dit Robert Eggers dit proposition de cinéma radicale. Plus encore que The Witch écrit et joué en ancien anglais et filmé à la lumière naturelle, The Lighthouse tape dans le 1:19, tout premier format sonore, réduisant davantage la latéralité de l’image à cause de la présence de la piste son et, évidemment, un 35mm avec un noir et blanc brut au rendu superbe, texturé, granuleux, qui ajoute franchement à l’inquiétante étrangeté distillée pendant toute la durée du film.



Nous sommes en 1890, et nous nous apprêtons à suivre deux gardiens de phare, à savoir Willem Dafoe et Robert Pattinson, qui tentent de maintenir la salubrité de l’édifice bâti sur une île rocailleuse loin au large de la Nouvelle Angleterre. Le plus âgé des deux semble avoir des choses à cacher et se montre extrêmement hostile. C’est alors que les légendes racontées par Dafoe à Pattinson semblent se vérifier, et qu’une tempête approche du phare.

N’y cherchez pas une montagne-russe. N’y cherchez pas ce cinéma fait de jumpscares, de poupées maléfiques, de gonzesse à cheveux noirs qui camouflent le visage, de tueur masqué, de démon à exorciser. Comme dans The Witch, l’horreur s’immisce peu à peu dans le quotidien de ces personnages, lentement, insidieusement, et même plus encore, l’horreur s’annonce dès le premier plan où ce bateau s’approche de l’île en perçant la pénombre et le brouillard, faisant penser à celui qui pèse autour de Silent Hill et dont on ne sort jamais une fois entré. Il s’agit là d’un véritable film d’horreur, qui n’est pas seulement une façon de traiter le film mais qui en est un thème à part entière. L’île, le phare, la lumière, les gardiens, les mouettes, les vagues, les nuages, les bateaux, tous sont des entités horrifiques.

 Ce qui n'empêche pas le film d'être bardé d'humour, mais poisseux, suintant, qui s'intègre à merveille à l'ensemble.

Dans The Witch, on savait très rapidement que la nature du mal était réelle, fondée, palpable. Dans The Lighthouse, tout s’offre à la réflexion, à l’interprétation. La densité du film est telle que 1001 possibilités existent quant à ce qu’il se passe véritablement sur cette île, et la noirceur du film est telle que ces 1001 possibilités sont toutes mortifères. Le phare censé guider les marins est ici celui qui cause la perte des gardiens, esseulés, en proie à la rage de la nature filmée de façon si belle et terrifiante que ces plans où les lames s’abattent sur les rochers ou ceux dans lesquels des nuages comminatoires se dressent au-dessus du phare dans une tonalité tirant sur le marron me resteront à jamais gravés dans la mémoire. Que dire également de cette séquence de masturbation, hallucinante, aux fantasmes mêlés de sirènes, de tentacules, de vulves écailleuses… Un vrai trip sous opiacé. Et d’ailleurs, vous vous souvenez du plan incroyable de The Witch dans lequel la mère de famille se fait dévorer le sein par un corbeau ? Attendez de voir ce qu’il se passe dans The Lighthouse...

Il s’agit du genre de film dont personne ne peut tirer de vérité absolue. Chacun aura la sienne. Chacun l’interprétera selon sa sensibilité, et, tout en voyant le même film, personne n’aura vu le même. Que se passe-t-il réellement sur cette île ? Qui sont ces deux gardiens ? Quelle réalité perçoit-on ? Tant de choses pour lesquelles nous avons des éléments de réponse que nous comblons avec notre imagination, notre ressenti, mais qui ne se définissent jamais de manière certaine.

Eggers revient avec intelligence sur un sujet qui semble l’animer, à savoir la dégénérescence, la perte de soi, ce qui nous met à mal en rongeant qui nous sommes. En rongeant notre éducation, nos valeurs, notre vécu, notre morale, en nous laissant contempler ce qu’il adviendra de la décomposition de tout ça. À l’image de cette mouette morte, se décomposant dans la citerne, qui marquera le tournant du film. Tout comme dans The Witch, il est impossible de savoir si nous connaissons réellement le personnage de Pattinson ou celui de Dafoe, comme il est impossible de savoir si nous connaissons réellement le personnage de Taylor-Joy ou si celui-ci est corrompu dès le départ par une force obscure. Dans The Lighthouse, la folie guette, mais existe-t-elle ? Sombre-t-il d'eux-mêmes ou quelques chose les y pousse ? La lumière est-elle si innocente que sa fonction peut laisser l’entendre ? Ici, et c’est là le plus terrible, elle semble enfermer des secrets plus obscurs et hostiles que l’obscurité elle-même. Elle est perfide, mauvaise, fallacieuse, dangereuse. Elle est ce qui corrompt et détruit. Comment s’y prend-elle ? Quel charme insuffle-t-elle ? Tout cela est-il réel ? À vous de voir le film pour en tirer votre conclusion.

Une proposition de cinéma comme celle-ci, avec une force si évocatrice, c’est d’une rareté telle que je vous invite avec la plus grande vigueur à aller soutenir cette sortie. Un tel objet laissera forcément du monde sur le carreau. Il est loin, très loin des standards dont on nous gave à longueur de temps, et un tel film dans nos multiplèxes doit obligatoirement trouver un public et une résonance sous peine de se voir à terme noyé définitivement sous les MCU et autres tâcherons comiques sous lesquels notre cinéma national croule désespérément. Si vous n’avez pas de frissons lors des premiers plans appuyés par ce score d’anthologie, je ne peux plus rien pour vous.

                                                  


Jérémie N.
Note du rédacteur : 4,5/5 (Excellent)

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A Vigilante, de Sarah Daggar-Nickson

     Premier long-métrage de Sarah Daggar-Nickson, A Vigilante nous donne à suivre le parcours tourmenté de Sadie (Olivia Wilde), jeune femme jadis victime de violences conjugales, ayant décidé de prendre le taureau par les cornes et de venir en aide aux petites dames en détresse et aux enfants battus. Une chose que j’ai toujours dite : Il n’y a rien de plus efficace que des claques dans le museau pour régler un conflit. Sadie ne réfutant pas ces sages pensées, voilà qu’elle intimide d’abord et cogne ensuite. Ces messieurs et ces dames, battant leur femme ou leurs gosses, font en général un peu d’huile, puis s’éclipsent comme une truite fario relâchée dans le lac. Jusqu’à ce que…



Petite piqûre de rappel, le Vigilante (traduisez Justicier) est un genre qui base son principe sur la vengeance d’une victime envers ses agresseurs, et propose par essence des péloches particulièrement violentes. Vigilante, Mad Max, Death Sentence, J’ai rencontré le diable, Old Boy… Des films qui ne lésinent pas et s’avèrent aussi frontaux que torturés. En cela, A Vigilante prend la chose à revers, et s’éloigne du genre pour s’approcher plus foncièrement du drame. Si un film comme Blood Island, petite pépite sud-coréenne, baigne une bonne partie des ses bobines dans une approche purement dramatique, c’est pour que l’impact lors de la bascule dans le vigilante soit d’autant plus prégnant. Ici, Daggar-Nickson prend le parti de ne jamais révéler la violence. Tout est au mieux hors-champ, au pire ellipsé (j’assume le néologisme). Et ce plus volontairement encore que le film se nomme, je le rappelle, A Vigilante, un choix clairement réfléchi qui définit un genre qui ne transige pas avec la violence graphique.

Une décision qui devient regrettable, voire dédaigneuse, distillant une hypocrisie certaine dans une pudeur tellement prononcée qu’elle en devient singée. Et si l’on pourrait penser que le message prime sur l’image, le mécanisme en devient si systématique que les scènes sont déjà prédécoupées dans nos têtes : Se rendre chez la victime, menacer l’opposant, revenir vers la voiture, pleurer dans la voiture. Ce sont là les quelques séquences chaudes du film avant que le climax que l’on devine dès le premier quart d’heure ne se dévoile à nous. Il y avait justement quelque chose à faire pour que le film passe de séquences asthéniques et désespérées à des séquences enragées et brutales qui auraient tout à fait collées avec ce qui trotte dans la tête de notre protagoniste, sans tomber dans l’écueil du voyeurisme primaire, mais en restant cohérent avec l’ensemble. Mais cette drôle de volonté d’infantiliser le spectateur ou de dire « l’important est ailleurs » ne font qu’ajouter à la mollesse d’une mise-en-scène linéaire et assommante. La première fois que madame intervient dans un foyer pour chasser monsieur, l’ellipse fonctionne et amuse, la suggestion et l’imagination du spectateur font le travail, et la séquence reste efficace. Le problème, c’est que tout cela s’étire sur l’ensemble de la bande, et transforme une bonne idée en un tic de mise-en-scène.

Avec un concept pareil, il y avait franchement de quoi faire. Je me le dis régulièrement, et il y a des fois où cette pensée est plus marquée que d’autres. Avec une réa sans compromis, qui assume pleinement la férocité de son sujet, plutôt que de nous montrer son personnage s’exercer aux sports de combat et à la musculation avec pour seule et unique rime que d’aller chialer dans sa bagnole, peut-être aurait-il mieux valu tourner autre chose. Prendre un sujet sans jamais oser rentrer dedans et penser jouer à la maligne en le contournant sans arrêt, ce n’est pas franchement ce que j’appelle assumer. Ou alors c’est assumer de ne pas assumer. Dans ce cas, autant ne rien faire. D’aucuns diront que je m’attarde sur un détail, alors que je mets l’accent sur ce que raconte le film, et comment il procède pour le raconter. En synthétisant : comment il hésite à nous raconter quelque chose. Le film n’a cependant pas à pâlir de son aspect technique, la photo est très honnête, et le montage fait le taf malgré qu’il n’ait pas grand chose à déglutir. Dommage que le traitement du tout soit si chaste et délicat qu’il ne fasse tomber la chose dans la banalité sitôt vue, sitôt oubliée.




Jérémie N.
Note du rédacteur : 2/5 (Faible)

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BuyBust, d'Erik Matti

    Il y a des jours où rien ne vaut une péloche sans cervelle et bien velue, un truc qui enfonce des incisives profondément dans un larynx et qui pète de la matière osseuse à la barre à mine. L’élu du jour est en cela BuyBust, dernier film du boulimique Erik Matti (réalisateur philippin qui tourne film sur film depuis 1999). Vendu comme un digne descendant de The Raid, le bousin nous invite à suivre Nina, une jeune femme membre des brigades anti-drogues de Manille, qui se verra envoyée avec son équipe dans un bidonville de la capitale philippine pour débusquer un baron de la drogue. Vous l’aurez compris, plus qu’un descendant de The Raid, c’en est un ersatz à l’horizontale.



À vrai dire, il n’en faut pas plus pour attiser ma curiosité. Je sais que l’exigence qui doit être déployée pour mettre en place un film de fight véhément et avec de l’impact doit être très élevée, et lorsque la chose nous est présentée par l’orga de l’Étrange Festival comme comprenant un plan-séquence démentiel de 12 minutes, je me dis qu’enfin, on va avoir affaire à un film de qualité. Il m’en faut peu, hein ? Les premières minutes, plutôt intenses visuellement, sont un décalque de la bombe de Gareth Evans. Dans The Raid, le protagoniste s’entraîne alors que le grand méchant loup colle des bastos et des coups de marteau. Dans BuyBust, la fine équipe s’entraîne alors qu’un type s’en prend plein la gueule dans un interrogatoire. Dans The Raid, c’est un supérieur qui veut servir ses intérêts qui ordonne ce qui s'avérera être une mission suicide. Dans BuyBust, c’est un supérieur qui veut servir ses intérêts qui ordonne ce qui s'avérera être une mission suicide. Dans The Raid, les habitants de l’immeuble s’en prennent presque tous aux intrus. Dans BuyBust, les habitants du bidonville s’en prennent presque tous aux intrus. Dans The Raid, le baron de la drogue rince les politiques. Dans BuyBust, le baron de la drogue rince le chef des flics. On pourrait continuer comme ça longtemps. En fait, le seul parallèle que je n’ai pas trouvé, c’est la sœur de l’héroïne dans le camp des grands vilains.

La première bobine préfigure quelque chose de tout à fait convenable, malgré ce manque d’inventivité flagrant. Si l’on est capable de mettre de côté les gros problèmes de son du film, mixé par un stagiaire sourd ayant oublié son sonotone, la pression de l’étau qui se referme est quasiment égale à celle de son modèle indonésien. Les premières scènes de traque dans le bidonville, lorsque les héros se font repérer, sont plutôt bien pensées, jusqu’à ce que l’un d’entre-eux se fasse choper et exécuter par les caïds. Après ça, tout part en vrille. Tout. Les armes vont peu à peu laisser place aux poings, à mesure que les munitions diminues, et les problèmes de son deviendront de plus en plus handicapants. Au cinéma, la violence d’un coup porté passe par trois choses : la valeur de plan, le montage et le mixage. S’il manque un de ces trois ingrédients, ça ne marchera pas. Et alors qu’on se concentre sur le fait que le son soit à chier, que les impacts soient tout sauf sensoriels, on se rend bientôt compte que le cadre est aux fraises et que le montage est totalement hasardeux. Mais vraiment. Du genre à définir un nombre de cuts pour une séquence donnée et les placer de manière random dans la timeline. On en est à voir des plans sur des poings qui se dirigent vers des visages cuter et passer totalement à autre chose avant que les coups ne soient portés. Les séquences de fight, qui sont ici le nerf de la guerre, sont absolument inoffensives quand elles ne sont pas illisibles. Elles ne sont ni brutales, ni frontales, ni intenses. Bah ouais, aussi bas du front soient-ils, ces films sont des exercices particulièrement complexes, qui demandent une minutie profonde et un vrai sens du rythme. Là, en plus du mixeur sourd, on doit se taper le monteur aveugle. C’est pas facile tous les jours. Et quand alors arrive le fameux plan-séquence démentiel de la mort qui tronche ta soeur de 12 minutes, et que celui-ci s’avère en réalité en durer 3, composé de raccords numériques tous plus affreux les uns que les autres et avec des figurants qui ne savent pas quoi faire avant de se prendre une chasse par l’héroïne, on ne crie plus au vol mais au scandale.

Le 2:35, très ouvert, paraît également hors de propos quant à la volonté de créer une atmosphère suffocante et dans ce qui se voudrait être une sorte de huit-clos. En cela, le 1:85 était bien plus indiqué. À croire que rien n’a vraiment été réfléchi. Preuve en est avec le climax le plus plat de l’univers, figurant la confrontation entre l’héroïne et le grand manitou. La scène prend place dans une pièce tapissée de miroirs. Tout metteur-en-scène qui se respecte s’en serait servi dans son découpage, mais ils n’auront ici d’autre fonction que de faire valdinguer un personnage au travers. En plus de la paresse de la mise-en-scène (même pas foutu de concevoir un champ contre-champ convenable), cette scène ne fait que mettre en lumière l’incohérence générale du film, lorsque notre protagoniste se fait surprendre par un freluquet qui arrive lentement dans son dos. Meuf, t’es en train de discuter avec un type dans une salle pleine de miroirs. Si quelqu’un arrive dans ton dos sur la pointe des pieds, certes tu ne l'entends pas, mais tu devrais voir son reflet, non ? Voilà ce qu’est BuyBust. Un film qui a l’outrecuidance de se croire malin, et qui est aussi mal réalisé qu’il pompe allègrement l’un des meilleurs films de fight de ces dernières années, souffrant d’autant plus de la comparaison. Il n'y a qu'une issue possible pour ce genre de péloche : la poubelle.


Jérémie N.
Note du rédacteur : 1,5/5 (Mauvais)

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The Field Guide to Evil, d'Ashim Ahluwalia, Can Evrenol, Severin Fiala, Veronika Franz, Katrin Gebbe, Calvin Reeder, Agnieszka Smoczynska, Peter Strickland et Yannis Veslemes

Les films à sketches sont souvent l’assurance de passer au moins quelques bonnes minutes devant un segment qui sort du lot et regorge d’inventivité. Comme sur un court-métrage, un réalisateur se doit d’être percutant au plus vite pour palier aux contraintes temporelles de cet exercice. Le sujet de The Field Guide to Evil apparaît tout à fait idéal pour ce type de narration. Il s’agit d’une anthologie de films ayant tous pour sujet le mal, l’entité démoniaque vue par différents pays, différentes cultures, différentes époques, et rappelant en cela l’excellent jeu Eternal Darkness. On suivra donc chaque fois un personnage ou un groupe, directement confronté au Malin sous une forme ou une autre. Celui-ci peut-être issu d’une religion, d’un folklore, d’une légende ou de l’imagination du scénariste. 

Le film se découpe ainsi en huit parties, chacune réalisée par un metteur-en-scène différent, de l’Inde à la Turquie, de l’Autriche aux États-Unis, de l’Allemagne à la Grèce et de l’Angleterre à la Pologne.

Une idée intéressante sur le papier mais qui a bien du mal à franchir l’étape de la concrétisation. Le film ouvre sur un générique esthétique, bien foutu, qui plonge directement le spectateur dans l’atmosphère sournoise et maligne qu’on attend de cette péloche. Chaque sketch sera ensuite illustré par quelques cartons qui nous situeront le mythe. S’ensuit alors le premier de la liste, réalisé par les autrichiens Severin Fiala (c’est un homme) et Veronica Franz, qui ont certainement beaucoup apprécié The Witch (de Robert Eggers) et qui livre un segment où une jeune femme se voit peu à peu tourmentée par le diable à mesure qu’elle couche avec une autre donzelle. Quelques fautes de goût, comme des jump scares induits par le démon, entacheront de temps à autre ce sketch qui tient néanmoins la route du début à la fin.



Le deuxième, réalisé par le turc Can Evrenol (Housewife, Baskin), met en scène une jeune femme enceinte qui, après avoir volé une broche à une vieille dame malade dont elle a la charge, sera visitée par un démon qui la fera vaciller. De quoi rappeler le dernier méfait des Trois visages de la peur (Mario Bava). Sans être formidable, le film instaure une ambiance froide et pesante, et tient la route malgré ses faiblesses. Son final, bien que téléphoné, est efficace et enterre largement les autres sketches du film. Parce qu’à partir de là, tout va s’effriter, et il faudra vraiment creuser pour retirer quelque chose de ces essais non-transformés.



Le troisième, de la polonaise Agnieszka Smoczynska, inconnue au bataillon en ce qui me concerne, est un sketch aussi réussi techniquement qu’il est vain narrativement. Un homme est visité par une femme qui lui demande de manger trois cœurs humains si celui-ci veut devenir le plus puissant des hommes, et régner sur le monde. C’est plat, totalement linéaire, sans surprise, et le final est expédié comme si le temps avait manqué. Finalement, ce n’est pas plus mal, on n’aurait pas voulu s’y attarder plus longtemps.



Le quatrième est si catastrophique qu’il en devient jouissif, amenant une telle dose de rires (bien malgré lui) qu’il est certainement mon sketch favoris. On se fend bien la tronche, et tout est si raté qu’on pourrait penser que c’est fait exprès. Le jeu, le montage, la lumière, la mise-en-scène, l’écriture, tout est à chier. Certains personnages apparaissent au petit bonheur la chance, comme une espèce de bûcheron barbu sortant du néant pour vilipender des parents sur le fait qu’ils ne surveillent pas convenablement leur gamin dans la forêt. Cette apparition est si hasardeuse, incongrue, qu’elle apparaît comme placée dans la timeline non pour créer du sens mais pour combler un vide. En effet, un couple avec un enfant partent en séjour dans une cabane, au milieu de la forêt, et se feront débusquer par des enfants cannibales à têtes de melon. Voilà. C’est prodigieux tant c’est mauvais. C’est de l’art en soi. Quand on sait le truc pondu par Calvin Reeder, réalisateur de The Oregonian, on comprend que ce film touche aux méandres du bon goût.



Le soufflet du rire retombe avec le sketch sans relief du grec Yannis Veslemes, où un gobelin sera pris à partie par des adorateurs de Satan. Quelques idées visuelles qui ne sauveront pas un sketch écrit avec les fesses et sans intérêt particulier.



Le sixième, réalisé par Ashim Ahluwalia, est un segment en noir et blanc, dans une esthétique très 50's, plaçant un riche magnat britannique obnubilé par le secret d’un temple hindou, dont une pièce énigmatique ne peut être vue par quiconque sans en subir quelques conséquences malencontreuses. Pareil, c’est vain, sans aspérité, on s’en fout, next.



Le septième, de l’allemande Katrin Gebbe, se déroule dans les alpes bavaroises, à la fin du XVIIIème siècle, où un berger tente de soigner sa soeur habitée par un parasite qui la tue chaque soir et la ressuscite au matin, non sans laisser quelques traces sur le troupeau qui se dilapide à chaque nouvelle nuit. On sait très vite où ça veut en venir, et ça y vient, sans surprise, sans inventivité, et on s’emmerde.



Le dernier (enfin !), sans doute celui que j’attendais réellement, à savoir le segment de l’anglais Peter Strickland (Berberian Sound Studio), apporte une patte visuelle forte et… bah c’est tout. Le sketch est une fable vue/lue/entendue des milliers de fois, avec une petite morale plutôt bancale, punissant le mensonge et la trahison de deux frères cordonniers qui se disputent une princesse. Si même le Peter Strickland est faisandé, que voulez-vous que je vous dise…



Si techniquement le film tient la route et apporte des idées visuelles certaines (sauf pour le quatrième, qui fait tellement tâche qu’on dirait un furoncle sur le nez de Miss France), il ne décolle jamais et enchaîne des segments tous plus creux les uns que les autres. Les deux premiers sont certes sympathiques, mais ne vont pas au-delà. Pour le reste, c’est bon à brûler, inutile, ça n’a absolument pas lieu d’être. Je me demande encore comment ils ont réussi à foirer ce film avec un concept pareil. On passe à autre chose, voulez-vous ?



Jérémie N.
Note du rédacteur : 1,5/5 (Mauvais)

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Mandy, de Panos Cosmatos

8 ans après son premier film Beyond the Black Rainbow, Panos Cosmatos revient avec le très particulier Mandy, traînant une réputation plutôt séduisante depuis sa projection à la Quinzaine des réalisateurs sur la croisette. Mettez toutes vos références au placard, tout ce que vous avez pu voir avant, Mandy n’est pas de ces films. Et si on devait s’en autoriser quelques-unes, on parlerait d’un mélange entre David Lynch, Dario Argento, John Carpenter, George Miller, Dennis Hopper, Sam Raimi, Martin Scorsese et John Flynn. Voilà qui nous avance beaucoup. Le pitch est assez simple, mais étant donné que le film repose sur deux parties assez distinctes et d’une certaine longueur, vous en parler serait comme dévoiler la moitié du film. Je m’arrêterai en vous disant qu’il s’agit d’un vigilante, voire d’un rape & revenge selon les interprétations, et j’en aurai déjà dit beaucoup.



La première partie du film baigne magistralement dans une atmosphère délicate, triste, pesante, comme un message mortifère transmis au spectateur avant qu’il ne voit les enjeux se présenter. Le montage est hypnotique, hallucinant au sens propre du terme, pouvant proposer un même plan monté trois fois à la suite ou un champ-contrechamp en surimpression déformant les visages pour les entremêler, d’autres encore en dessin-animé, et se marie parfaitement à la partition de feu Jóhann Jóhannsson qui joue un rôle extrêmement important quant à la densité du tout. Les couleurs saturées, rose, rouge et bleue, débordent de l’écran à l’instar d’une œuvre fauviste, et donnent déjà au film ses dimensions fantastiques avant même que quoi que ce soit d’hostile ou d’étrange se présente à l’écran.

L’histoire entend se dérouler aux États-Unis, mais le bazar, tourné dans les Ardennes belges, apporte un côté mystique propre à ces forêts, et amplifie de ce fait « l’inquiétante étrangeté » qui s’en dégage, comme un mirage qui travestirait notre perception de la réalité en quelque chose de caustique. C’est cinglant, corrosif, cette ambiance poisseuse nous amène à la frontière du rire et de la gravité sans qu’on ne sache vraiment sur quel pied danser. Puis, lorsque la problématique est clairement définie, le film devient violent, impertinent, claquant des punchlines à n’en plus finir (Nicolas Cage disant partir "à la chasse au chrétien, et son interlocuteur de répondre : "C'est déjà la saison ?"), des situations grotesques dans le sens positif du terme, qui feront rire ou froncer les sourcils selon la sensibilité de chacun, amène sur un plateau d’argent un caméo des plus fendards et des scènes de fight anthologiques, comme une baston bien burnée prenant place devant une téloche qui diffuse un boulard. Voir Nicolas Cage se taper vénère devant une bonne levrette des années 70, c’est forcément l’adage d’un chouette film.

Chaque séquence apporte son lot de bonnes idées, de colère et de fun. Nicolas Cage lui-même se prête au jeu, cabotinant juste ce qu’il faut pour qu’on se rappelle qu’il s’agit bien de Nicolas Cage, mais livrant surtout une prestation possédée s’alliant avec brio à celle de l’envoutante Andrea Riseborough (Mandy). On jubile à chaque nouveau palier franchit par le protagoniste, et on attend avec un air goguenard le prochain trou du cul qui tombera entre ses mains pleines de rage. À peine le temps de respirer qu’on est reparti pour une salve de marmelade, un truc qui défouraille, qui gère parfaitement ses dialogues surréalistes ainsi que sa violence crue et frontale, le tout emballé minutieusement par un Panos Cosmatos qui sait parfaitement comment accorder son chaos, ses doses de LSD, et qui nous ramène sec dans l’esthétique des années 70. Bref, Mandy est un véritable OVNI, un film que vous n’avez jamais vu avant et qu’il vous faudra découvrir absolument. On en redemande. Dans le genre classique instantané, ça se pose là.

                                    


Jérémie N.
Note du rédacteur : 4,5/5 (Excellent)

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A Man's Flower Road, de Sono Sion

Il fût un temps où Sono Sion écumait les festivals underground nippons, avec des péloches tournées en Super 8 sans contrainte d’aucune sorte. C’est dans les années 80 que le sieur a fait sa renommée au sein de cette sphère, à l’aide de quelques courts-métrages tournés sans budget et en 8mm. A Man’s Flower Road (Otoko no hanamichi) est en quelques sortes la synthèse de cette période. Premier long du bonhomme, âgé alors de 24 ans, il est un film totalement anarchique, tourné caméra au poing, en Super 8, sans scénario, sans technicien, juste lui et ses potes. Ou lui et sa famille. Le film a récemment été remasterisé en 2K, de là à dire qu’on a quand même pas mal d’argent à foutre par la fenêtre, il n’y a qu’un pas.



Analysé par certains grands penseurs comme un désire d’émancipation, de liberté, de refus de grandir, le film nous montre pêle-mêle des jeunes courir dans les rues de Tokyo en hurlant, un jeune chier le cul droit vers la caméra dans un parc de Tokyo en hurlant, des jeunes sauter dans des bassins urbains en hurlant, des plans interminables de Sono Sion qui mange chez lui et qui se fait engueuler par sa mère, des plans au noir de 10 minutes avec des conversations on ne peut plus banales, j’en passe et des meilleurs. Le tout quand on comprend ce qu’il se passe ! Parce que oui, c’est du 8mm (donc en 1:35), la piste sonore de ces pellicules est à chier, et c’est de la caméra au poing ! Quand on court avec ce matos et qu’on le gesticule dans tous les sens, ça n’aide pas à la bonne compréhension, croyez-moi !

Il n’y a pas de construction, pas d’intrigue, on n’est même pas dans l’expérimental. On est dans le film random. J’entends par-là qu’il s’agit d’une succession de scénettes sans lien les unes avec les autres, dans un ensemble foutraque qui ne doit même pas avoir de sens pour son réalisateur. On est dans le « je fais ce que je veux et j’vous emmerde », et c’est en cela une vraie réussite, parce que ça nous emmerde bel et bien. Une bonne partie des spectateurs n’aura pas tenu, et se sera barrée avant la fin des 110 minutes (oui, 110 minutes…). Je me souviens avoir essuyé un rire nerveux à la découverte des premiers plans, en me disant que je n’allais pas pouvoir tenir sur la longueur. Pourtant, je suis resté, et je peux vous affirmer que le film n’a d’intérêt que pour son créateur et ses proches, j’entends par là ceux qui ont participé à sa conception. On dirait un montage de ces vidéos que l’on peut trouver sur les téléphones de chacun, de la petite vie de Jean-Etienne et de Marie-Mathilde, dont on se fout éperdument et dont le contexte nous échappe, quand bien même on serait tenté d’y prêter une quelconque attention.

Le film nous a été vendu comme la découverte du vrai Sono Sion, de l’intrépide Sono Sion, de celui qu’il était avant de devenir une bête de festivals et qu’il ne s’assagisse. Jamais, Ô grand jamais, je n’aurais pensé que ma pire expérience en salle obscure serait un film de ce mec. Comme quoi, la vie est pleine de surprises. Personnellement, je resterai avec le « faux » Sono Sion. Ce bonhomme très sage qui nous a quand même claqué des Love Exposure, Suicide Club, Guilty of Romance, Why Don’t You Play in Hell?, Cold Fish et autre Antiporno. Impossible pour moi de me retrouver dans ce "témoignage d'une époque". Je laisse les aficionados de la branlette à leur activité favorite sans les envier outre-mesure.


Jérémie N.
Note du rédacteur : 0/6 (Autodafé)

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The Spy Gone North, de Yoon Jong-bin

Quand un film coréen traverse les frontières pour poser ses valises chez nous, il y a fort à parier que celui-ci sera d’excellente qualité. Je ne m’en cache pas, j’ai un faible particulier pour ce cinéma. Un cinoche burné et avec des moyens financiers non négligeables, qui donnent largement de quoi faire à des artistes qui ne demandent qu’à envoyer le pâté. Ces quinze dernières années, la Corée a pondu certains de mes films préférés, alors lorsqu’une nouvelle occasion de me prendre une baffe se présente, je ne rate pas le coche.



C’est donc dans de bonnes dispositions que je me rends assister à la projection de The Spy Gone North, nouveau film de Yoon Jong-bin (Kundo: Age of the Rampant, Nameless Gangster), narrant le parcours véridique d’un espion sud-coréen, appelé Black Venus, envoyé en Corée du Nord pour recueillir des informations quant à leur programme nucléaire dans les années 90. Ouvrant sur quelques cartons qui servent à replacer le film dans son contexte, la problématique générale est si complexe que le non-initié se verra complètement largué dès les vingt premières minutes, l’écriture ne s’occupant pas outre-mesure de combler les lacunes historiques du spectateur et gardant son train en marche, fonçant comme si tout le monde connaissait ce conflit sur le bout des doigts et laissant de ce fait pas mal de monde sur le carreau. Je pense avoir les capacités intellectuelles suffisantes pour comprendre et interpréter les informations qu’on me donne, mais lorsque celles-ci sont trop elliptiques, je suis incapable de raccrocher les wagons entre eux. Je suis dans la moyenne, ni plus, ni moins malin qu’un autre, je peux donc me permettre de penser que les gens qui disent avoir tout bité, tout suivi, tout compris, sont soit menteurs, soit prétentieux, soit coréens, soit historiens.

Dès lors, comment créer une véritable tension palpable si les enjeux restent incompris ? La péloche a été rapprochée d’Infernal Affairs et JSA, des films qui permettaient aisément au spectateur de se projeter. Je pense que le parallèle est, de ce fait, assez maladroit. Porté par une véritable star en Corée (Hwang Jeong-min, vu chez nous dans A Bittersweet Life, New World ou The Strangers), le film jouit d’un casting de haute volée et d’une direction calibrée comme un sniper visant une cible immobile. C’est juste, c’est carré, précis, tout comme la mise-en-scène qui ne dépasse pas d’un cheveu et règle ses plans à la milliseconde et au millimètre. Ça part sur de très bonnes bases, me direz-vous. Oui, mais à un détail près : on se contrefout de ce qui se passe. On attend tout le film que quelque chose nous prenne en haleine, nous chope par les tripes, nous fasse sentir une tension particulièrement forte. C’est tout l’intérêt de ce genre de péloche, non ? Ici, à part un peu d’électricité de temps à autre, aucune décharge d’adrénaline spécifique. Entre les enjeux difficilement cernables et la lenteur de la mise-en-scène, le tout avance sur une départementale alors qu’on voudrait emprunter l’autoroute, et on se prend à ne faire qu’attendre la fin du film sans espérer plus rien en tirer dès la première moitié torchée.

C’est tout le paradoxe de ce film qui est aussi techniquement réussi qu’il est linéaire et froid, sans véritable relief. C’est comme se retrouver à l’assemblée nationale, à tenter de suivre les problématiques d’un débat qui nous dépasse complètement et pour lequel on nous demande d’éprouver de la passion. Ça ne marchera pas, quels que soient vos efforts. Je n’ai pas perçu The Spy Gone North autrement, et j’en suis le premier déçu. Pour être clair, ça ne vaut pas particulièrement le coup d’œil. La Corée pond tant de films dignes d’intérêt que celui-ci s’enfonce assez profondément dans la liste des trucs à voir. Maintenant, je vous laisse seuls juges quant à l’élaboration de votre liste, et si le cœur vous en dit, le film sort le 7 novembre prochain. On ne me prendra pas à aller le redécouvrir. Un petit résumé de la situation, après la révélation du palmarès de l'Étrange Festival, où le film était en compétition (et qu'il a obtenu, ainsi que le prix du public (sic)). Le grand prix est décerné par des membres de l'organisation du festival, et de gentils personnages de Canal+, qui doivent acheter et diffuser sur C+ Cinéma le grand gagnant du festival. Du coup, pour faciliter la chose, autant prendre le film le plus lisse et grand public possible. Toujours plus simple que de devoir programmer un Mandy, dont vous pourrez lire la critique prochainement en cet antre de la joie et de la bonne humeur. Vous savez à quoi vous en tenir.


                                    

Jérémie N.
Note du rédacteur : 2,5/5 (Moyen)

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